Dans les confins glacés de la Norvège, une compositrice classique en perte d’inspiration entreprend un voyage pour enregistrer les sons mystérieux des aurores boréales. La compositrice se trouve progressivement transformée par cette expérience et ses compositions évoluent d’une recherche de perfection technique vers une exploration de la relation entre nature et art. Le personnage principal est changé par la collision entre formes abstraites et musique, ce qui donne lieu à une réelle harmonie.

Il y a 450 millions d’années, les champignons ont envahi et colonisé la Terre. Grâce à une relation symbiotique, cette invasion a permis aux plantes de coloniser progressivement les terres émergées. Ensemble, ils ont créé un empire qui a transformé notre planète, la faisant passer d’une plaine désertique à une oasis luxuriante.

Flamboyant fait la promotion de la prochaine édition des Sommets du cinéma d’animation de Montréal. Un oiseau rencontre un autre oiseau au plumage coloré, qui l’invite à danser. Celui-ci accepte et, au fil de leur chorégraphie, ils se mettent à fusionner. Une nouvelle espèce émerge, mettant de l’avant des couleurs flamboyantes et une forte créativité.

Le générique d’ouverture de La Symphonie des aurores traduit la quête intérieure d’Elena, une compositrice perdue, partie au Groenland sur un coup de tête. Des photographies de neige y sont juxtaposées à des aplats rouges, traduisant le contraste entre douceur froide et tension dramatique. Les aurores sont évoquées de manière abstraite à travers des formes géométriques, reflétant leur fluidité, leur chaos musical et leur charge spirituelle.

Le dernier service a été réalisé en photographie avec de vrais aliments posés au travers de pochoirs et de lettres en papier. Il s’agit du générique d’une comédie fictive racontant l’histoire du propriétaire d’un restaurant gastronomique prestigieux dont le monde s’écroule suite à la visite d’un critique culinaire. Le générique met de l’avant les aliments dans une ambiance joviale, mais élégante et haute en couleur.

UBGER I a été réalisée en réponse à un cauchemar, et suit un parcours claustrophobe à l’image d’une lutte pour l’éveil. Située conceptuellement dans une zone hybride le sommeil paradoxal et l’état hypnopompique, la séquence déploie des images générées avec DALL-E 2, un modèle d’IA obsolète, choisi pour restituer à l’écran l’étrangeté plastique propre à la visualisation subconsciente. La narration emprunte une logique de cadavre exquis : chaque image compose une course dans un espace d’agrégation visuelle.

La chambre froide est un générique filmé entièrement en prise de vue macro. Lorsqu’une équipe de chercheurs se retrouve piégée dans une station de recherche sous-terrain en pleine tempête hivernale, la peur s’installe et la tension monte. Sans électricité et moyens de communication, qu’arrivera-t-il aux chercheurs si la station se transforme peu à peu en chambre froide ? Ce générique est accompagné d’une trame sonore poignante et inquiétante.

Le Sublime pollué / L’invisible visible propose une réflexion critique du monde contemporain comme un espace saturé de stimuli où émerge un « sublime pollué ». Face à cette surcharge sensorielle invisible, des statistiques ont été rassemblées puis interprétées. Le projet défend un design écologique, attentif et réparateur, qui révèle les déséquilibres entre humains, technologies et environnements. Il invite à une transformation des manières de voir, sentir et habiter le monde.

Le dernier service est le générique d’une série télévisée fictive. Mélangeant comédie et suspense, l’animation explore la dynamique chaotique et tendre d’un père et de son fils qui unissent leurs cuisines pour ouvrir un restaurant. Cette introduction donne un avant-goût de leurs tensions, leurs maladresses ainsi que leur collaboration improbable.

La symphonie des aurores porte sur la quête d'Elena et sur son périple en région éloignée. Ce générique de film fictif est une interprétation contemplative issue de visuels libres de droits montés, imprimés en cyanotype, puis remontés, traduisant la sensibilité et l'émotivité du long métrage à travers le mouvement du papier, la texture et la couleur.

La boîte à métaphores prend le livre Always Coming Home de Ursula K. Le Guin comme point de départ : un objet-interface a été conçu pour faciliter la communication entre personnes et intelligences synthétiques. Situé dans une temporalité postapocalyptique, un tabou autour de la technologie a été développé. L’objet-interface et le rituel offrent un mode communication non textuel bénéfique.

Le jeu de cartes est une vidéo expérimentale qui explore l’univers loufoque des collages créés. Lors d’une soirée entre amis, un jeu de cartes a été modifié à l’aide d’images trouvées dans une pile de magazines.

La Symphonie des aurores aborde la nature, l’art, la musique, la rencontre et l’exploration à travers un voyage dans un paysage polaire entrecroisé par des aurores boréales. Le personnage central, perdu dans le vide créatif, est symbolisé par l’absence de couleur. La rencontre entre deux mondes fait naître de plus en plus d’ondes sonores amorçant une transformation du visuel.

Cette animation typographique explore une approche non anthropocentrique du monde. Le projet invite le spectateur à plonger dans une conversation entre différents systèmes révélant ce que signifie percevoir notre existence depuis la perspective d’entités non humaines. Conversation invite à regarder au-delà de l’individu et à reconnaître les systèmes interdépendants dont nous faisons partie — les plantes, les animaux, les insectes, l’air et l’eau — rappelant que l’humain n’existe jamais isolément, mais toujours au sein d’un réseau vivant.

Feu rouge est un court-métrage d’animation narratif mêlant l’animation traditionnelle et le stop motion. L’histoire est basée sur un texte de Jules Even et la narration est faite par Antoine Cusson.

SNOW TRIP est une exploration du médium de rotoscopie, une technique d’animation qui consiste à retoucher image par image les séquences vidéo d’un film. J'ai filmé mon trajet sur le REM, que j'ai ensuite extrait en séquence individuelle imprimée. Une fois les dessins faits, ceux-ci sont numérisés et assemblés.

Depuis toujours, les milieux naturels regorgent de plantes, fruits et organismes comestibles, avec lesquels les humains ont appris à composer. Pourtant, au fil de l’histoire, et surtout à l’époque coloniale, nous nous sommes progressivement éloigné·es de cette cuisine « naturelle ». Cet essai documentaire raccourcit notre distance aussi physique qu’émotionnelle avec la nature qui nous entoure à travers un groupe d’individus pratiquant le foraging urbain — la cueillette basée sur la réciprocité avec les écosystèmes.

Magnifier le petit change notre perspective sur les détails du quotidien ; nous comprenons mieux comment notre monde est façonné lorsque nous portons attention aux briques qui l’ont forgé. Par cette action, nous découvrons des aspects contradictoires à notre existence. La matérialité d’une feuille qui, utilisée dans le contexte d’un droit fondamental au territoire, fait dissonance de la banalité de l’objet et la lourdeur du sujet. Les droits aux territoires canadiens changent suite à la réception d’un certificat de citoyenneté.

Voyage de photos mêle photographie personnelle, doodling et animation traditionnelle pour explorer l’idée d’un intrus fantaisiste se glissant dans des fichiers d’ordinateur. Qu’arrive-t-il aux lieux numérisés, puis oubliés ? Que se passe-t-il si quelque chose décide d’y élire domicile ?

Hakika est une biennale d’art fictive qui parle de la surcharge numérique sensorielle à l’aide d’œuvres réalisées par plusieurs artistes et conférences diverses. La surcharge numérique sensorielle est une façon de décrire l’avalanche de contenu numérique qui nous est constamment proposée ; une bulle algorithmique en pleine croissance.

i really want him to love me est un court documentaire poétique qui utilise le dispositif de l’audition pour interroger les normes qui gouvernent le désir et l’accès à la reconnaissance. À travers le regard d’un personnage queer et racisé qui tente, à répétition, de se rendre lisible et désirable aux yeux d’un jury hégémonique, le film met en scène l’intériorisation du regard dominant et l’épuisement qu’elle produit. Porté par la performance et la voix hors champ, le film suit une série de transformations qui révèlent le coût et les limites de cette quête d’acceptation.

Ce générique d’ouverture interprète le synopsis de La Symphonie des aurores à travers une perspective mêlant linguistique et cosmologie. Une compositrice classique entreprend un voyage dans le Grand Nord pour enregistrer les sons mystérieux des aurores boréales. Elle y découvre que les habitants entretiennent une relation spirituelle unique avec elles.

Sous le thème de la nostalgie, Échos d’hier est une expérience visuelle de la lumière, créée à partir de jeux de flou, d’acétate de couleur, de lumière UV et de superpositions photographiques. Des souvenirs d’enfance s’estompent peu à peu et deviennent flous. Les images disparaissent, mais les sentiments demeurent.

La chambre froide est le générique d’une série où des scientifiques sont piégés dans un bunker après une panne de courant lors d’un blizzard arctique. Le froid envahit l’espace, matérialisé par un liquide noir inquiétant se propageant et transformant l’environnement. Le projet cherche à traduire le chaos, la peur et la paranoïa des personnages, tout en maintenant une tension constante. Il entretient une ambiguïté : hallucination causée par le froid extrême ou véritable entité issue de leurs expériences scientifiques ?

Dans les confins glacés de la Norvège, une compositrice classique en perte d’inspiration entreprend un voyage pour enregistrer les sons mystérieux des aurores boréales. La compositrice se trouve progressivement transformée par cette expérience et ses compositions évoluent d’une recherche de perfection technique vers une exploration de la relation entre nature et art. Le personnage principal est changé par la collision entre formes abstraites et musique, ce qui donne lieu à une réelle harmonie.

La Jungle du bitume est le générique d’un documentaire fictif portant sur une course urbaine d’une intensité extrême et cherche à traduire l’état mental dans lequel une telle épreuve peut plonger un individu. Cette tension s’exprime à travers un rythme accéléré, perceptible autant dans le trait, les mouvements que dans la conception sonore.

Conçue comme une minisérie pour les réseaux sociaux, Val’s emotional dump est une représentation visuelle d’un coin de mon cerveau. J’y « dumpe » sans filtres des anecdotes, des pensées et tout ce qui me traverse l’esprit. C’est un terrain de jeu où je m’amuse, crée librement et partage la joie d’animer des histoires. L’objectif est d'offrir une pause pour décrocher et ne pas se prendre trop au sérieux. Le premier épisode, que j’ai raconté avec mon grand frère, est une tragédie familiale… presque mortelle.

La jungle du bitume est le générique d’un documentaire fictif qui mêle sport extrême, culture de rue, réflexion sur le corps et sur le sens qu’on cherche dans une ville. Le générique démontre les vastes chemins physiques et émotionnels que les personnages empruntent pendant une course dans la ville de San Francisco.